Iba a dedicar esta entrada a la visita que hice ayer al centro Arts Santa Mònica de Barcelona. Hay expuesto material de Claret Serrahima y como buen barcelonés y amante del diseño minimalista y tipográfico no podía dejar pasar un día más sin pasarme por allí.

Pero aprovechando el final de año y que nunca he escrito una entrada personal, esta vez compartiré algo más que una reseña de una exposición.

¿Nunca os habéis preguntado «¿Por qué trabajo para una empresa que ya es rica?» o «¿Por qué formo parte de una multinacional que sólo quiere más y más?», o incluso «¿Por qué me preocupo tanto por el dinero?»?. Últimamente me he planteado estas y otras preguntas relacionadas con mi situación profesional. Aunque tenga la inmensa suerte de poder decir que este año ha sido un muy buen año laboral para mí – cuando hay tantísima parte de la población mundial ya no sólo en paro, sino sin siquiera tener algo que llevarse a la boca –, no puedo dejar de pensar que la inmensa mayoría de las personas con las que cruzo palabras durante el día, nos estamos perdiendo en la absurdidad.

Discutimos entre nosotros y nos quejamos porque nos parece indignante que equis estudio de la competencia haya utilizado el color rojo Pantone 199C en lugar del Pantone 702C. También es inaceptable no tener todavía una máquina de café Nespresso en la oficina, o que el nuevo iPhone5 no sea lo que todos estábamos esperando sino que hayan lanzado el 4S en su lugar. Y entre todas estas idas y venidas de la vida moderna, y aunque la mayor parte del tiempo disfruto creando y aprendiendo cada día más, a veces me paro a pensar: «¿Está bien esto?», «¿Está bien vivir así de bien a costa de otros?», «¿Está bien alimentar esta gran cadena de la que todos formamos parte?». Porque antes que diseñador, soy una persona, y como tal no puedo dejar de ver que muchísimas cosas de las que hacemos en el día a día y que son aparentemente insignificantes afectan en gran medida al resto de personas que nos rodean. Que muchas veces no tenemos ni idea de la suerte que tenemos y del valor que tiene poder tener la libertad de hacer, decidir y actuar cuándo y como nosotros queremos y que no hay barrera alguna más que la auto impuesta.

Y después de esta indefinida parrafada quería dejar constancia de que con todo esto lo que vengo a decir es que un día mis acciones harán no sólo que esté orgulloso de que mi último diseño para una marca importante esté en una gran valla publicitaria y lo vea todo el mundo, sino que estaré orgulloso de poder crear con un único y genuino fin altruista, quizá no sea este año, ni este el lugar y seguramente no estaré sentado delante de un ordenador cuando eso ocurra, pero lo que si sé y prometo es que sucederá, y espero que estéis ahí para verlo.

En resumidas cuentas y para intentar dar un poco de sentido a todo esto, lo que quiero dejar claro es que no debemos conformarnos nunca. Como dicen por ahí en alguna campaña publicitaria, está bien desaprender, es la mejor herramienta para la falta de motivación y para que cualquier crisis, incluida la ideológica, sea menos crisis y más cambio a mejor. ¡Muy feliz 2012 a todos!

Desde el próximo 17 de Noviembre podremos disfrutar de una muestra de obras impresionistas procedentes de la colección de Sterling and Francine Clark, más conocidos como Los Clark y fundadores del Instituto de Arte Clark en Williamstown (Massachusetts, EEUU). Autores como Sisley, Pissarro, Manet, Monet, Degas y Renoir con obras como Los acantilados de Étretat (1885) de Monet, El encantador de serpientes (1870) de Jean-Léone Gerôme o Bailarinas en clase (1880) de Edgar Degas.

El impresionismo, iniciado en la segunda mitad del siglo XIX trataba de representar la impresión del momento, sin importar tanto el nivel de exactitud de la realidad como hasta entonces. Fue de los primeros movimientos del siglo que empezaron a romper con los estilos realistas, y al igual que otros movimientos que toman su nombre de la crítica, en este caso, el crítico Leroy tildó la obra Impresión: sol naciente de Monet de «impresionista» en tono peyorativo en la exposición organizada en 1874  junto a otras de pintores como Bazille, Cézanne, Degas y Pissarro entre otros. La exposición fue un fracaso según el público y la crítica. Y sin embargo, el impresionismo dejó cantidad de icónicas obras reconocidas e influencia para las futuras generaciones.

Edificios tan singulares como emblemáticos de Barcelona como son la Aduana del Puerto, el Palacio de Justicia o el Templo Expiatorio del Sagrado Corazón en el Tibidabo, son obra de Enric Sagnier i Villavecchia, arquitecto nacido en Barcelona (1858-1931) y que posee más de tres cientas construcciones documentadas en la ciudad.

CaixaForum Barcelona inaugura hoy la exposición que abrirá del 14 de Septiembre al 8 de Enero y que recreará el mundo de la burguesía barcelonesa en la que nació Enric Sagnier: la familia, la modernidad técnica, los viajes por Europa. Veremos la versatilidad y prolificidad de su obra en una muestra fotográfica de una ciudad en construcción.

“Su obra evolucionó desde el estilo ecléctico, característico de las últimas décadas del siglo XIX, hasta el modernismo. Más adelante, interpretó un repertorio de formas clásicas de influencia francesa, y desarrolló un estilo propio, adaptado a las necesidades de una arquitectura sólida y burguesa, y a la voluntad de crear puntos de referencia monumentales en la trama urbana.”

• vía Obra Social “la Caixa”

A destacar de todo el catálogo, el canal de ART:21, donde podemos reproducir episodios completos del programa que se dedica al análisis de las artes visuales contemporáneas a través de artistas del mundo. Están todos llenos de opiniones, conocimientos e ideas, y recomiendo echarles un vistazo aunque no os llamen la atención los títulos o que el idioma sea el inglés.

En especial este episodio de la quinta temporada, “Systems” trata sobre cómo los artistas crean nuevos sistemas gramáticos y/o lógicos según la sociedad de la información que nos rodea ahora mismo. Dicho así puede sonar muy abstracto, y aunque todos los artistas que aparecen en el documental merecen atención, a mi me encanta personalmente Julie Mehretu…  lo que hace ella no es puramente abstracto, suele referenciar a la arquitectura modernista, a Google Maps o estructuras deterioradas. En esa visión aparentemente aleatoria y desordenada, se intuye un lenguaje, y los nexos son columnas, fachadas y pórticos sobre diferentes esquemas, diagramas, planos de edificios, mapas aéreos, renders arquitectónicos o perspectivas isométricas.

Es fascinante. Y a todo esto… quién tuviera el tiempo, el espacio y el dinero para poder desarrollar estos proyectos gigantescos….

No está de más revisarlo y aplicarlo a nuestro día a día creativo:

• Prohibida la vergüenza. Dibujar es un acto de expresión. Es una forma de mostrar al mundo cosas que no se pueden mostrar de otra manera. Por tanto, esconder tus dibujos por cualquier motivo es como no haberlos dibujado. Si nadie más lo ve, no existe.

• Prohibido borrar. Borrar un dibujo, tirarlo a la basura o tacharlo es una mala idea. Si haces algo que no te gusta, guárdalo. Cuando hagas cosas que te gusten podrás buscarlo, comparar y comprobar que has mejorado. Si borras las cosas nunca sabrás si has avanzado.

• Practicar. Nunca es suficiente práctica. Cuando seas el mejor dibujante del mundo, seguirás necesitando practicar. Si no practicas, no puedes mejorar.

• Conocer las técnicas. Antes de hacer algo, asegúrate de que sabes por qué lo haces. Si no tienes ni idea de lo que haces, dedica un rato a estudiar la teoría. Si lo que quieres es probar cosas nuevas, no esperes buenos resultados.

• No esperes buenos resultados. Lo peor que puedes hacer es pretender dibujar bien desde el principio. Si quieres dibujar, dibuja, pero no esperes que salga bien a la primera. Ni a la segunda. Ni a la de un millón. Dibujar exactamente lo que quieres dibujar es el clímax de la maestría. Normalmente se dibuja más o menos lo que se quiere dibujar y, con unas buenas técnicas, se consigue algo bien hecho, pero no necesariamente justo lo que querías.

• Siempre se puede mejorar. Da igual lo mal o bien que dibujes. Siempre hay sitio para la mejora. Además, mejor o peor son términos relativos y no necesariamente va a ser mejor la capilla sixtina que lo que tú dibujes.

• Ten un objetivo claro. Si tu dibujo no tiene un fundamento y un objetivo no podrás dibujarlo bien. De la misma forma, un dibujo bien hecho no vale de nada si no tiene un objetivo. Y también un dibujo bien hecho está mal si no cumple su objetivo. De nada me sirve pintar la Última Cena si lo que quería era contar un chiste o dibujar un coche.

• Si estás dibujando en el ordenador, ¡GUARDA! (Ctrl+S)

• No desesperes. Si hoy no te sale, inténtalo mañana. Al final acaba saliendo lo que quieres. O incluso algo mejor.

• Busca referencias. Nadie nace sabiendo. Todo lo que puedas aprender te va a ayudar a la larga. Procura no quedarte con lo primero que encuentres sólo y busca más recursos, tutoriales, referencias y demás hasta que sepas cómo se hace lo que quieres hacer.

• Pide ayuda. Aprender es más fácil si tienes alguien cerca que te eche una mano. Pregunta, pide consejo y muestra tu trabajo a otros.

• No abandones. Abandonar es el primer paso para fracasar. El segundo es no volver a intentarlo nunca. Cuando lleves mucho tiempo sin dibujar, DIBUJA.

• Mantente sano. No puedes dibujar si estás enfermo. Si algo te duele, cúralo. Si tienes hambre, come. Si tienes sed, bebe. Si tienes sueño, duerme. No vale de nada forzar al cuerpo para dibujar un día si luego no vas a poder dibujar en dos por estar mal.

• Guarda un tiempo específico a dibujar. Si te pones a dibujar, que sea a eso y nada más. Descansa unos minutos cada rato, pero mientras dibujas, céntrate.

• Pide críticas y no las defiendas. Si tienes excusas para hacer mal un dibujo es peor que si simplemente lo haces mal. No hay excusa para dibujar mal porque dibujar mal no es malo. Es normal.

• Busca estilos nuevos. Cuando estés a gusto con tu estilo de dibujo, prueba algo nuevo. Dibujar siempre las mismas cosas, con el mismo estilo o usando las mismas técnicas sólo vale para perder el tiempo dibujando lo mismo una y otra vez. Prueba cosas nuevas siempre que tengas oportunidad, pero siempre sabiendo lo que quieres.

• Si vas a hacer algo, hazlo BIEN. Si sabes cómo se hace algo, no lo hagas de la forma que sabes que no se hace por pereza. Bajar el nivel es perder el tiempo. Como mínimo, que esté al mismo nivel que lo mejor que hayas hecho.

• De vez en cuando, olvida todo lo que crees que sabes y vuelve a investigar. Siempre se descubre cosas nuevas en lo que hace otra gente. Observa a otros, busca referencias y empieza de nuevo.

• Prohibido tener miedo a las cosas nuevas. Si tienes miedo de romper algo o a usarlo mal no vas a poder usarlo. Aprende a usarlo y luego úsalo sin miedo. Prohibido el miedo.

• No tengas envidia. ¿Sabes toda esa gente que dibuja tan bien y parece que ha dibujado así de bien toda su vida? Es mentira. Lo que pasa es que no enseñan los garabatos que hacían antes de dibujar bien. Todo el mundo dibuja mal antes de dibujar bien. No tengas envidia y empieza a mejorar.

Según ellos mismos, esta galería de arte contemporáneo nacida en octubre de 2010 se dedica a exponer artistas ya consolidados del panorama nacional e internacional así como a promocionar a jóvenes talentos, con la intención de hacer llegar estas propuestas a todos los públicos.

A través de underdogs.es encontramos una entrevista a Oliver Roura donde nos explica el qué y cómo de la colección Inversions. La llama así por la técnica que usa al pintar, el proceso de pintar un cuadro al revés: “Creo que en casi un 100% de las obras puramente pictóricas el artista añade pintura paulatinamente hasta crear la imagen deseada, siendo la última pincelada la que se observa en primer término. En cambio, en Inversiones, la primera pincelada que doy es la primera que se ve. Luego, superpongo capas y capas de pintura hasta conseguir el efecto a proyectar en la obra. Sé que puede resultar confusa su comprensión pero el secreto del proceso no tiene muchos acertijos. Es el mismo desarrollo pictórico pero a la inversa.”

Por otro lado, Juan de la Rica presenta una muestra de obras con dos planteamientos diferenciados, pintura y collage.

A través de compartearte.com comenta: “Mis pinturas son figurativas, pero lo que intento con ellas es explorar las capacidades plásticas del medio, de la propia pintura, es decir color, forma y, en menor medida, textura. Son escenas, más o menos complejas, más o menos narrativas, donde lo representado no es más que un pretexto que, unas veces, queda más o menos velado, y otras desaparece por completo, (como sucede por ejemplo en Príapo mecánico y Cabeza de Príapo) para ceder el protagonismo a lo puramente pictórico.
Por el contrario, con mis collages me centro en las capacidades icónicas de las imágenes y los sentidos que cobran al juntarse unas con otras. Parto de unos planteamientos dadaístas, casi de escritura automática, y me gusta jugar con imágenes de todo tipo: prensa, publicidad, fotografías amateur, fotografías de internet, imágenes de la historia del arte… Es un proceso donde confluyen la iconoclastia y la iconolatría en partes iguales.”

Página oficial de Berger Gallery

En esta ocasión quiero compartir el trabajo de la ilustradora y diseñadora Genie Espinosa.

Sus ilustraciones, aunque a primera vista dirigidas a un público infantil, destacan por la variedad de situaciones y personajes que se muestran, escenas siempre llenas de color, vivas y cargadas de imágenes positivas. Es un estilo muy particular y reconocible.

En sus ilustraciones, tanto como para material impreso, estampados o postales digitales encontramos siempre un personaje alegre. En sus trabajos, por lo general realizados con el uso de vectores, vemos dibujados trazos firmes y patrones detallados, paisajes sencillos y claros pero siempre, y es lo que más me gusta de ella, muestran con transparencia un mensaje directo del amor que impregna en todo lo que crea y la profesionalidad en el uso del vector.

Genie Espinosa tiene 27 años, y trabaja en M-Automoción como diseñadora gráfica y publicitaria y reside en Barcelona. Sus principales intereses son dibujar, viajar y hacer magdalenas.

» Más de Genie en Geniespinosa.com y en Twitter.

La conferencia inaugural es hoy jueves 3 de Enero a las siete de la tarde y corre a cargo de Mary Anne Stevens, comisaria de la exposición. Y a partir de mañana podremos visitarla hasta el 17 de Abril.

Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935 aborda uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura, el que va desde los años previos a la Revolución de Octubre hasta la fundación de la URSS. Los artistas plásticos y arquitectos se unen bajo la causa bolchevique para crear, a través del arte y la arquitectura, una nueva sociedad basada en las ideas socialistas.

Fue un período destacado por la radicalidad de las propuestas de arquitectos como Konstantin Melnikov y Moisei Ginsburg, y de artistas visuales del movimiento constructivista, como Liubov Popova, Vladimir Tatlin, Kazimir Malevich, El Lissitzky o Gustav Klucis.

La muestra está formada por unas 250 obras: fotografías de archivo de edificios construidos entre 1920 y 1930, procedentes del Museo Estatal de Arquitectura Schusev de Moscú; dibujos, pinturas y maquetas de la Colección Costakis del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica y una selección de fotografías en color y de gran formato
del fotógrafo británico Richard Pare realizadas entre 1992 y 2010 sobre los primeros 15 años de historia de la Unión Soviética.

Enero de 2011 es para Sasa, nick bajo el que se esconde Sandra Contreras, una ilustradora con un talento innato para crear escenas siempre naturales y vívidas tanto en la recreación natural como en la creación de elementos de moda y detalles de la decoración urbana. Desde su blog, Sasa nos muestra su avance y evolución con el uso de técnicas pictóricas principalmente basadas en la acuarela, las anilinas y la tinta negra sobre papel. Cabe destacar también las ilustraciones que realiza en colaboración con Amelia’s Magazine, un conocido blog sobre tendencias artísticas.

Sus ilustraciones muestran un gran interés por el color y el detall en animales, objetos cotidianos de la moda contemporánea, así como de edificios e incluso retratos. Lo más destacable desde mi punto de vista es la sencillez con la que reproduce objetos y escenas en colores vívidos al mismo tiempo que resalta pequeños detalles que hacen de cada ilustración una pieza original y con su propia marca de la casa.

Sandra tiene 22 años, es estudiante de diseño gráfico e ilustración, trabaja en una imprenta y reside en Barcelona. Sus principales intereses son los medios tradicionales de dibujo, la fotografía analógica y viajar.

» Más de Sandra en Sasa y en Twitter.

Selected Graphic Design from Europe

Index Book es una editorial especializada en libros de diseño gráfico y creatividad visual, con sede en Barcelona, cuyo ámbito de actuación y distribución de alcance mundial la convierten en referente indiscutible en el sector del diseño.

Talleres

Conferencias

Actividades

Quería destacar algunos talleres y conferencias en particular, pero sinceramente, me es imposible decidir a cuáles asistiré, aunque me llamen personalmente la atención: Integración en Motion Graphics de César Peña, SelfPackaging de Josep M. Garrofé y Paper Stop Motion de Aimée Campos. En el primero nos mostrarán, trabajando sobre After Effects, la integración de diferentes métodos audiovisuales, aplicando soluciones simples y efectivas para la perspectiva, profundidades de campo, cámara, animación, y la correcta integración de elementos 3D (animaciones y/o partículas) sobre un espacio de vídeo 2D real o virtual. En SelfPackaging, impartido por Tribu-3, se plantean los principios teóricos y prácticos más importantes e imprescindibles para aprender a diseñar y montar estructuras de packaging viables y factibles. Y por último, Paper Stop Motion en taller práctico dedicado a explorar las posibilidades creativas del papel en la realización de animaciones utilizando la técnica de stop motion.

Todas las conferencias se impartirán en la Torre Agbar y los talleres en el Tech Talent Center de la UPC School.

Más información de los talleres, precios y entradas en http://www.selectedeurope.com/